Del Renacimiento italiano a los interiores de Costa Rica: la fotografía artística de Zack Zublena

El Renacimiento italiano transformó para siempre la manera en que el mundo entiende la belleza, el cuerpo humano, la luz, el espacio y la emoción. Siglos después, su lenguaje visual sigue sorprendentemente vivo, no como un estilo histórico para copiar, sino como una fuente de inspiración para reinterpretar. Costa Rica tiene un vínculo profundo con Italia. Su joya arquitectónica, el Teatro Nacional, fue decorado en gran parte por artistas italianos, con mármoles y pinturas traídos de Italia. En los años cincuenta, familias italianas fundaron San Vito de Coto Brus, en el sur del país. Y el escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia, que trabaja el mármol de Carrara en Italia, fue el primer artista latinoamericano en tener una escultura en un nicho exterior de la Basílica de San Pedro.

Para el artista y fotógrafo franco-estadounidense de origen italiano Zack Zublena, el Renacimiento se convierte en un diálogo visual contemporáneo. A través de la fotografía, el collage y las técnicas mixtas, figuras clásicas, luz dorada, mitología y formas escultóricas salen de su contexto original y encuentran su lugar en los interiores de hoy.

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Este enfoque no busca recrear la pintura renacentista. Plantea otra pregunta: ¿qué ocurre cuando el lenguaje visual del Renacimiento italiano se mira a través del lente de la fotografía artística contemporánea?

Cuando la fotografía se encuentra con el Renacimiento

El Renacimiento fue una época de experimentación extraordinaria. Los artistas exploraron la anatomía, la perspectiva, la proporción, la arquitectura, la mitología y la relación entre la figura humana y el espacio que la rodea.

En San José, ese diálogo con Europa se vive en el Teatro Nacional de Costa Rica. Allí, la célebre Alegoría al café y al banano, pintada en Milán por Aleardo Villa, convive con esculturas, frescos y dorados de inspiración clásica. Muy cerca, el Museo Nacional de Costa Rica cuenta la historia del país desde la antigua fortaleza del Cuartel Bellavista.

La fotografía ofrece otra forma de explorar las mismas ideas. En la obra de Zack Zublena, la cámara se convierte en una herramienta para construir imágenes, no solo para registrar la realidad. La figura humana puede parecer monumental, misteriosa o casi arquitectónica. El oro transforma la piel en algo parecido a una escultura dorada. Las sombras crean la profundidad de un fresco.

Arcángel Miguel, Guardián Dorado reúne varias de estas ideas: la figura monumental, el simbolismo de las alas y la fuerza del oro. La obra dialoga con la iconografía renacentista sin dejar de ser inconfundiblemente contemporánea.

La luz como lenguaje

En el arte del Renacimiento, la luz nunca fue solo un elemento técnico. Era un lenguaje. Un rostro que surge de la oscuridad podía convertirse en el centro de toda una composición. Una mano iluminada sobre un fondo en sombra se volvía, de pronto, simbólica.

En Costa Rica, el oro habla desde hace siglos. Bajo la Plaza de la Cultura, el Museo del Oro Precolombino guarda la orfebrería de los pueblos originarios: aves, ranas y figuras humanas que brillan en la oscuridad de sus salas. Y en el Museo de Arte Costarricense, en La Sabana, el Salón Dorado envuelve al visitante con su relieve dorado de la historia del país. Zack Zublena trabaja con una luz controlada y contrastes profundos que dan a sus imágenes una calidad casi pictórica. El oro evoca marcos dorados, objetos sagrados y orfebrería, pero en la fotografía adquiere una nueva cualidad física: reflectante, atmosférica y contemporánea.

Anatomy of the Soul explora la relación entre el cuerpo humano y la atmósfera que lo envuelve. La figura deja de ser el retrato de una persona concreta para convertirse en un estudio de la forma, la identidad y el vínculo entre lo físico y lo simbólico.

El cuerpo humano como escultura

Una de las conexiones más fuertes entre el Renacimiento y la fotografía artística contemporánea es la forma de tratar el cuerpo humano. Los artistas renacentistas estudiaron la anatomía con una precisión extraordinaria, inspirados en la escultura de la Antigüedad. Costa Rica ha dado grandes escultores del cuerpo, desde Francisco Zúñiga, con sus figuras femeninas monumentales, hasta Jorge Jiménez Deredia, que talla el mármol en la tierra de Miguel Ángel.

La fotografía aborda el mismo tema desde otra dirección. Mediante la pose, la luz, el encuadre y la composición, una figura fotografiada se vuelve escultórica. Al prescindir de los detalles innecesarios, la mirada se concentra en la silueta, el músculo, el gesto y el espacio vacío.

Winged Essence lleva esta idea todavía más lejos y une la figura humana con alas y un lenguaje visual impactante en oro y azul. Ese azul profundo recordará a los costarricenses el destello de la mariposa morfo en el bosque. La obra evoca imágenes religiosas y mitológicas sin pertenecer a una sola época.

Alas, mito y la imaginación del Renacimiento

Las alas habitan la imaginación del arte occidental desde hace siglos. Ángeles, mensajeros, santos y figuras alegóricas pueblan la pintura y la escultura del Renacimiento. En Costa Rica, las alas son además parte del paisaje: el quetzal en los bosques nubosos de Monteverde y San Gerardo de Dota, las lapas rojas sobre el Pacífico, los colibríes en cada jardín.

Pero las alas también pueden leerse de forma más abstracta: como imagen de libertad, transformación, deseo, trascendencia o el anhelo de ir más allá del mundo físico.

Wings of Desire juega con este vocabulario simbólico, con un título que recordará a los cinéfilos Las alas del deseo, de Wim Wenders. Aquí las alas son mucho más que un ornamento: vuelven ambigua la figura, suspendida entre la belleza terrenal y algo casi celestial.

Esa ambigüedad está en el centro de las interpretaciones contemporáneas del Renacimiento. El objetivo no es imitar el pasado, sino permitir que sus símbolos adquieran nuevos significados.

Una belleza que no envejece

Las imágenes del Renacimiento siguen emocionándonos porque entienden la belleza como algo más grande que la moda. Sus rostros, cuerpos y gestos hablan de temas universales: el deseo, la mortalidad, la espiritualidad, la identidad, el amor y la búsqueda de sentido.

Symphony of Her Soul se acerca a la figura a través de la emoción y la atmósfera. Con su máscara veneciana y sus partituras, la imagen crea un relato contemporáneo en el que la música, el movimiento y el cuerpo se funden, como en una noche de concierto bajo los dorados del Teatro Nacional.

De los maestros italianos a los interiores contemporáneos

Los grandes maestros del Renacimiento creaban para la arquitectura: iglesias, palacios y residencias privadas. Sus composiciones estaban pensadas para dialogar con el espacio que las recibía.

La fotografía artística contemporánea puede cumplir el mismo papel. Una obra de gran formato se convierte en un elemento arquitectónico. Puede vivir en una residencia en Escazú o Santa Ana, una villa frente al Pacífico en la Península de Papagayo o en Guanacaste, o una casa de diseño en Santa Teresa o Nosara. También cabe en un lodge en el bosque nuboso o en el lobby de un resort de lujo. Una figura monumental marca la escala. Una paleta sobria crea atmósfera. El oro aporta calidez y luminosidad sin recargar el espacio de color, en perfecto diálogo con la madera, la piedra y la luz tropical.

The Gladiator Philosopher muestra esta relación entre el lenguaje visual clásico y el interiorismo contemporáneo. La obra recoge la presencia monumental de las figuras clásicas y renacentistas y, al mismo tiempo, funciona como una pieza protagonista de hoy.

El Renacimiento como lenguaje vivo

Quizás la forma más interesante de mirar hoy el Renacimiento italiano no sea como una época cerrada, sino como un lenguaje visual que sigue evolucionando. Un lenguaje hecho de cuerpo humano, luz dramática, mitología, arquitectura, símbolos, oro y gesto, y de la relación entre belleza y emoción.

Estos elementos pueden fotografiarse, construirse digitalmente, convertirse en collage y reinterpretarse, e incluso desprenderse a propósito de su contexto histórico.

Serpent of Light introduce otro símbolo arquetípico: la serpiente. Sobre un fresco de Pompeya, reúne mitología, tentación, transformación y misterio, y tiende un